暗闇の中で美をつくるもの

 今回のマチス展を見ているときに何故か長谷川利行を思い出し、その後2つの本を読みなおしてみました。「マチスのみかた:猪熊弦一郎著:作品社」と「長谷川利行の絵:大塚信一著:作品社」です。意識はしていなかったのですが、どちらも同じ出版社から送り出されていました。

 2人が見ていたものは目の前のことだけだったが、それが普遍的なものを生み出しているのだと思いました。

 

 

 

 

歓待する場をつくる

 小野正嗣さんが、最後となる担当の日曜美術館河井寛次郎記念館を訪れていました。小野さんが美を語る姿勢はとても好きだったので少し寂しさを覚えます。番組最後に食事をおいしそうにいただくお姿なのが美術に対する氏の考え方を表しているのではないかと思ったし、もしかしたら、最後のこの河井寛次郎記念館を訪れるという企画も、氏の要望で実現したのではないかと思うのです。かつて氏は、「芸術は歓待の場所を作れるもの、それを与えることができるものと、信じている。」と語っておられ、まさに、今回の河井記念館は、寛次郎がそのことを具現化した空間であり、住居兼制作場所そしてギャラリーであり来訪者を歓待し時には励ましの場所でもあったからです。河井の死後今なおその機能が存続していて、番組内では、それがこの記念館の役目だと現館長も語っておられました。作品が生み出された場所で対峙し、それらに囲まれた空間で作家の紡ぐ言葉と接することは、人にとって必要な時間ではないかと思うのです。

 その昔、私は同じような空間を訪れたことがあり、それは、ポンピドューセンターに生前と寸分違わず再現されているC・ブランクーシのアトリエでした。

 

C・ブランクーシ展 ”本質を象る”  @アーディソン美術館

 現在アーディソン美術館で久しぶりにブランクーシの展覧会が催されていますが、その一室にも、ブランクーシのアトリエの一断片を表す部屋が設けられており、主催者は、このアトリエの重要性を伝えたいと願った想いはよくわかります。もちろん残念ながら、あの当地の雰囲気や迫力は体験できることではありません。あの場所で感じたことは、高い天井、北向きの陽光が差し込む光陰、台座まで計算された作品の数々から受けたことで、この場所でブランクーシは、本当に求めてくる者たちだけを歓待し、自分も他者も鼓舞し続けたんだと、鬼気迫りながらも安らげる場所となっておりました。

 

 

 

 

 ブランクーシは、一つ一つを丁寧に積み上げていった作家です。その原点である、石膏削り出しの作品は、今なお色あせることない彼の手のひらの感触が染み込んだ美が存在し、まさに本質を見つけたいがために向きっていたのだと納得させられます。

 

 

 

 そして石に挑み傑作が生まれました。

 

 

 

「接吻」は本当に凄過ぎます。それは、何か計算上で出来上がったものではなく、また美の形を作りすぎていないことが美を貶めていないのだと、今回改めて感じました。それは各部分に見てとれるのですが、特に手首と手甲とのつながり部分の造形にそのことを感じます。ここは、部分だけの美を見ているともう少し削ってしまうところなのですが、そこまでの削る込みをしないことで、どこかしら野暮ったさはのこるものの、全体の美の迫力が損なわれずに済んでいると思うのです。

 

本質を象るには、部分での丁寧な表現と全体を見渡せる力が必要です。

だからこと、ブランクーシの作品と対峙する人は、自分では気が付かないけれど、縦横に広い空間も感じながらとらえていると思います。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 ブランクーシはブロンズ研磨も全て自分一人で行います。その昔、ブランクーシのそのような手技からの力を得たいと思い、ある美術館で、鋳造作品なら構わないかと思って「空間の鳥」を触ったことがあり、すぐさま監視員の方に注意されたことを思い出しました。その時は本当にそれを求めていたのでした。

 

www.artizon.museum

祈りの姿をつくる

 祈りの姿を作り続けたいと願っています。

 

 そのような折りの絵を、好きな作家さんが描いて展示していると知って観に行ってきました。その構図が、以前に描いた絵とよく似ていたので、その主題の意味を知りたかったのです。

島村信之展 @gallery Suchi

 

  作品は、いつもの通り、とても素晴らしい技術でもって描かれており、その秘術に裏付けされた静謐な色合いとマチエルが美しかったです。

 

 

 島村さんご本人からお話を聞くことは出来ませんでしたが、なぜ、このような主題の絵を描きたかったのだろうかと、画面から読み取ることは出来ませんでした。

 私の場合は、その主題にしたい切実した思いがあったからなのですが、氏にも同じような思いがあったことでしょう。ただ、画面からは、祈る対象については、私との違いを感じました。いつの日かその確認をしたいと望んでいます。

 今、私は祈りで求めています。それは心底から求めていることです。しかしヨブが味わったようにどうしようもない時には仕方がありません。今はその時なのだと思います。だから、このような時にこそ「祈り」の絵を描きたいと思うのです。

 

 

島村 信之 展

2024年3月23日(土)―4月6日(土)
日・月曜日休廊
島村 信之

23rd Mar. – 6th Apr. 2024
Closed on Sun. Mon.
Nobuyuki SHIMAMURA Exhibition

www.gallerysuchi.com

島村 信之 展

2024年3月23日(土)―4月6日(土)
日・月曜日休廊
島村 信之

23rd Mar. – 6th Apr. 2024
Closed on Sun. Mon.
Nobuyuki SHIMAMURA Exhibition

 

松本涼氏のつくるもの

 薄い儚さを表してみたいと思っていた矢先、松本涼氏の彫刻を知って、ああ私が作りたかったものをすでに生み出されていると愕然としました。それは羨望であり、口惜しさというより、熱烈なファンになっていって、いわゆる「推し」というものでしょう、もう5年以上も追っかけをしている状態です。今回の新作も、作家のインスタグラムを通して制作過程を見ていましたところ、その新作の造形がこれまた私の求めている「器の形」であったため、これはこの眼で見てみたいと、無理をして遠征をしました。

@ギャラリーせいほう

 

 実物には、やはり映像を通してでは伝わらない迫力がありました。松本氏の作品は薄ければ薄いほど、その存在の重みが増しています。つまり、単に薄くしただけでは表現されない存在感があるのです。その理由の一つは、作家が試行錯誤のなかで見つけ出された、表面に細溝を入れていく細工で生み出されています。

 

 

 一見すると、年輪をそのままなぞっているように思えますが、先述したように作家が苦しみの中から生み出した、敢て線を彫り込む(彫り出す)といった表現スタイルで、この表現の有る無しで、作品の質は大きく違っていると思うのです。

 そこには技術の確かさも必要だと思うのですが、作家自身は、自分は下手くそだからこそ、自分を見つけるために制作をしていると仰います。意外な言葉ですが、謙遜というものではない、もっと確かな意味での内省のなかで制作をされていることの証明であり、そこにも氏の作品の存在価値が高くある秘密があると思います。

 今回の新作も器の高台部分の形にその精神が表現されているのだと思いました。器の価値は高台で決まるといっても過言ではないでしょうね。

 

 旧作にも数点再会し、眼福な時間を過ごしました。

 

 また、今回は初めて作家さんにもお会いすることが出来、、大きな人生の転換期にある私に、思いがけず握手をしていただけたことは、大きな希望を頂いた次第です。とても感謝なことでした。

 

「邂逅」-探究の彼方で- 滝本セレクション展

@ギャラリーせいほう 

見ることに徹してつくり出された抽象

 大阪中之島美術館に福田平八郎展を観に行きました。その昔子供の頃に父親から、福田の「鯉」の絵は水を描くことなく鯉のみを描いて水の中を表すことが出来ている、と教えて貰いました。また、「漣」を日本画の一つの到達点だとも言っており、半装飾的な風景画を描く父にとって目標とするものであったのではないかと思い出します。

 


 その「鯉」は今回見ることは出来ませんでしたが(別バージョンは展示されていました。)、「漣」はこの美術館の所蔵だけあってみることができ、また、その下図やアイディアスケッチ、また彩色の工夫などの資料も見ることができ勉強になりました。

 思い出の中では、綺麗な白地のなかに群青の線が心地よく描かれているとの記憶でしたが、福田は、金箔にプラチナ箔を重ねた地をつくっていると聞いて、そのような工夫をしていたのかと驚きました、しかしよく目を凝らして眺めてみても、確かに紙の白色ではないなと思えるものの、そのような仕掛けが施されているとは判らなかったです。

 

 

 昔は、もっとさわやかな雰囲気であったような気がするのですが、今回少しくすんで見えるのは、定かではありませんが、経年の影響かとも思いました。

 隣り合わせに展示をしているスケッチ類を見ると、単なる装飾的な自分よがりの線ではなく、しっかりと水面を観察して、とても写実的かつ必然的な線であることが確認できました。。。しかし、よく考えてみたら、水面では、漣の線の方が光に反射をしているわけですから、こちらをプラチナ箔で表し、空間を群青で表したいと思うのが普通ではないかと思ったわけです。凡人の私がそのように想像してみますと、とても良くない画面が頭に思い浮かびましたので、やはりこの方が美として成立しているのだと納得がいきました。

 このように、福田は、写実を極めながら、少しの装飾を組み入れることで、彼なりの画面構成を生み出しています。彼の絵の魅力はなんといってもゆるぎない構図だと思うのですが、細部は写実力に支えられていて、今展覧会では膨大な写生帖で示しながら、そのことを証明していました。

 

 

雪の表現も、、、、

 

桃が盆に映る姿も、、、、

 

極めつけは、青空に浮かぶ雲さえも、、、、

 

しっかりと現実を見つめて、貪欲に写しとろうとしたスケッチの上に存在していました。

 

「人間は凡人になるほど落ち着くようだ。俺(わし)らは、画にこそ多少は自信があっても、どだい凡人であることを、欣(よろこ)んでいる。」平八郎

 

 それら写生にあった和三盆を写生した絵があり、そのお菓子そのものをお土産に買うことが出来ました。

没後50年 福田平八郎 | 大阪中之島美術館

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

人の一生でつくれるもの

 ゲーテはその天井画を見て、「システィナの礼拝堂を見ないで一人の人間が何を成し得るか考えることは出来ない。」との言葉を残しています。

そんな同じ思いを、極東に住む若い青年に重ね併せて、再び富山に足を運びました。当日は、作家の対談イベントがあることも知り、生きることと描くことを同時に成されている方の姿を見たかったのです。大震災から2ケ月経ち、道路は工事中が目立ったものの、富山の町並みは奥能登までの被害は表面的には見られず、変わらない北アルプス連峰の峻厳な美しさがありました。

 

 

 

 広島県立美術館の山下寿水氏との対談で、彼の絵は「私小説」である、とのワードが共有され、また、現代の多くの画家が使うような他のメディアを通さずに、彼の裸眼で見た「私」を表そうとしている、そういったことも納得がいきました。

 実際の風景を見て描く際であっても、気を付けなければならない点は、人間の目は精巧にできているので、すべての場面にピントを合わせましから、そのまま描くと絵に奥行き感が無くなり、単眼で捉えたメディアの画面のようになってしまうことです。

 

 

 

 彼の絵もまさにそのいった落とし穴にはまり込んでいると思うのですが、しかし、彼の創り出す画面には奥行きが生じている矛盾があります。部分によっては彼も敢て形状に暈しを生じさせていることもありますが、基本的にはすべてに焦点を合わせて、ひたすら「私の現実」を写し取っています。ということは、形状ではなく、色そのものに「目の前の今」を表されているから、奥行きが生まれていると思うのです。同じ印象を持ったことを水野暁氏やロペス氏の絵で感じたなあと思い出しました。

 

 

 

そして写しとったり何百枚。何万回の筆致を重ねて絵画が生まれ、今回の素晴らしい展覧会構成が成されました。

 

 

 会期中に描かれていた絵も完成に近づき(ある意味完成には程遠いのですが、この会期中に描かれたという意味での記録としての完成です。)、生きることと描くことが結ばれている存在に、私もそうなりたいと教えられた次第です。

 

 

 今回の来館直前に、富山県立美術館で「倉俣史郎展」も堪能しましたが、ジャンルは違えど同じような制作量からくる熱量に圧倒されましたので、とても有意義なものをつかむことができた一日となりました。

 どちらの作品集も販売されていますので、お勧めです。

 

富山県立美術館も地域に開かれた素晴らしい空間でした。

つくるさいの位置 クロード・モネ展 ~連作の情景~

 モネの大きな展覧会が大阪中之島で開かれています。

 過去何度も取り上げられた画家であっても、学芸員の方々はご自分の切り口で作家を検証すべく新しい切り口の見解を共有しようとされます。今回も、使い古された連作を、今までとは違った表示に苦労された跡が見られ、会場を通して美の情熱に包まれていました。

モネ ~連作の情景~ @大阪中之島美術館

 

  初期の、大人に気に入られたい気持ちと、その違和感から自分を見つぃけ出したい抗う気持ちが入り混じった作品から展覧会は始まります。硬いようで早くから彼のオリジナリティが現れているところが面白い。これは後述もしますが、結局、「眼」によるもの、それ以上それ以下でもないということでしょう。

 


 自分を貫くには一人では成しえないいい見本が、印象派を結んだ彼の仲間たちの存在です。正式には、印象派とはモネ一人だけのことであると私は思いますが、仲間がいなければ、信念を持続することは出来ず、モネも早くに筆を折っているか、アカデミーに吸収されていたに違いありません。お決まりの画題、技法、社交であった既得権益に交わらず、むしろ抗って、それぞれが自分の切り口でこの世を表現しようとすりうことは、まさに近代であり、コンテンポラリーでありました。

 モネは、この世を見る要素が「光から湧き出る色」だけであったのです。それに技術がついていたと言えます。

 

 

 その後、そのモネが目的を確立していく歩みが飾られ、ついに世間が彼に追いついてきます。展覧会では、テーマである作品群の部屋のみ撮影可にしており、ここに学芸員の方の意気込みを感じることができます。そこはオランジェリー美術館を意識した演出でまさにオマージュの空間になっていました。

 

 

 

 

 

 

 

 

各絵を飾る背景壁にもとても工夫をされており、色具合も形もとてもしっくりしています。ある箇所は建築のニッチ部のようになっていたり、ある箇所は数点をまとめた額装のようにもなっており、それを楽しむこともできるのです。

 

 

 

  「モネは単なる眼に過ぎない・・・・。しかし、なんとも素晴らしい眼だろう。」

                               P.セザンヌ

 

 モネの作品は間近でみてもその良さはわからない、2mぐらい離れてみることで初めてその美が現れる。だとしたら、彼はどこに立って描いていたのだろうかと考える。彼はいちいち画面から離れることなく描いていたと思うと、彼の眼は初めから彼しか持ち合わせていない眼、つまり、焦点が合っていなかったのではないかと思うのです。そして、晩年白内障を患い物の形態をハッキリとつかめなくなったのですが、おかまいなしに筆を取り続けることで、次の世代の抽象にバトンタッチすることができたのです

 自分の内にのみ目を向けることですね。

 

nakka-art.jp